Recordando a Jamini Roy, el padre del arte popular de Bengala, en su aniversario de la muerte
(L) una marca registrada Jamini Roy Pintura de 1960 (fuente: arte mutuo); (R) Jamini Roy (Fuente: Aakar Prakar)
En su aniversario de la muerte, recordemos uno de los pintores más famosos de la India y el pionero que se atrevió a alejarse del estilo académico occidental para abrazar el espíritu del arte popular de Bengala.
Nació en 1887 en el distrito de Bangal en el distrito de Bangal y estaba destinado a una vida de retratos y aceites. Fue entrenado en la Facultad de Artes del Gobierno de Kolkata, donde dominó el estilo occidental bajo la guía de Abanindranath Tagore. En ACT, sus primeros retratos comisionados eran técnicamente perfectos, pero se sentía emocionalmente hueco y desconectado con su propio trabajo.
Esto es cuando decidió tomar un descanso de la tradición continua de seguir ciegamente el estilo occidental. Estaba profundamente influenciado por las agitaciones nacionalistas de la época, los escritos de Rabindranath Tagore y su propio deseo de encontrar una voz india «auténtica» en su trabajo. Luego se volvió hacia la tradición de Bengala de Bengala. Estas son pinturas Kalighat donde las figuras son planas, audaces y tienen ojos expresivos.
«Quiero ser un PATUA», declaró, no un artista. Lo que quería era ser un narrador popular y logró ser uno. Ya sea que mire los edificios de oficinas, galerías, libros, folletos, encontrará a Jamini Roy, allí. Pintó para personas y no para los clientes. Eso es lo que lo hizo diferente.
Modernismo con un toque de tradición
Para la década de 1930, Roy tenía aceites completamente abandonados y lienzos caros para materiales locales. Ahora usó barro, pegamento de semilla de tamarindo, hollín, flores y tiza. De hecho, pasó a reemplazar su lienzo con tela, panel de madera y esteras tejidas. Sus sujetos también eran personas de la vida cotidiana: bailarines Santhal, una madre y su hijo, cuentos mitológicos, gatos y bateristas, Krishna y Radha. Sus pinturas siempre se representaban en paletas vibrantes y terrosas.
Era un modernista en reversa. Si bien el modernismo europeo a menudo buscaba lo abstracto y la vanguardia, la revolución de Roy provino del avivamiento, mirando hacia atrás a las formas populares, haciéndolas nuevamente nuevamente.
Sus obras fueron minimalistas en pinceladas pero maximalistas en significado. «¿Cómo es que las fotos de Jamini Roy son tan simples, pero sigues mirándolas durante años y no te cansas?» preguntó JBS Haldane, un bioquímico británico y admirador.
El Cristo, el Ramayana, los Santhals
A pesar de que recurrió a las tradiciones locales cuando se trataba de practicar arte, no limitó su expresión a la iconografía hindú. Su trabajo abraza el espíritu sincrético de la India. Pintó temas cristianos, incluidos la crucifixión, la madonna y el niño, y otras escenas bíblicas, todo en su propio estilo popular característico.
Su amor por la narración de historias encontró su forma más ambiciosa en su obra de obra magnum: una representación de 17 canvas de Ramayana. Aquí es donde volvió a contar la épica con sus pigmentos audaces y terrosos. También pintó la vida tribal con dignidad. Sus bailarines Santhal fueron capturados en movimiento, alegría y ritmo.
El artista que se negó a beneficiarse
En la década de 1940, Jamini Roy era un nombre familiar, tanto en Bengala como en el extranjero. Exhibió en Londres en 1946, y en Nueva York en 1953. Sus pinturas comenzaron a aparecer en salones europeos y casas indias por igual. Pero incluso en la cima de su fama, Roy nunca vendió una pintura por más de 350 rupias, determinó que su trabajo permaneció al alcance de quienes lo inspiraron.
Irónicamente, años después, sus piezas, como Cristo con la cruz y los bateristas de Santal, serían subastadas en Londres por miles de libras, con preciados coleccionables.
El legado de arcilla y color
En 1955, Roy fue galardonado con el Padma Bhushan y en 1976, cuatro años después de su muerte, su trabajo fue declarado el Tesoro Nacional por el Servicio Arqueológico de la India. Fue nombrado uno de los «nueve maestros» de arte indio cuyas obras ya no se pueden vender sin permiso estatal.
Su legado es de democratización del arte en los tiempos en que el arte solo se consideraba para la élite, que atrajo a Elite, reflejaba la élite y rara vez retrataba la vida cotidiana. Su arte, por otro lado, pertenecía a todos, fuertemente derivado de folklores, usaba colores vibrantes, contando historias sobre la vida de la aldea y el uso de materiales humildes.
La vida llegó como un círculo completo
Hoy, en su aniversario de la muerte, la casa de BallyGunge que construyó con cuidado y disciplina está siendo restaurada por DAG en un espacio digno de su memoria. El museo ahora alberga su colección permanente, organiza exposiciones, talleres y una biblioteca, que cumple con el propio sueño de arte de Roy como algo compartido, no archivado.
Arkamitra Roy, su bisnieta, recuerda cómo su estudio era como un templo, tranquilo, sagrado, lleno del aroma de la pasta de tamarind y el rasguño de la creatividad. «Siempre quiso que su arte llegara a la gente», dice ella. «Esta es la forma ideal de rendirle homenaje».
¿Por qué todavía importa? Si uno debe preguntarse, la respuesta es: en un momento en que el arte estaba cada vez más habitado en galerías de paredes blancas y espectáculos exclusivos, la visión de Roy de hacer que se fuera accesible se destacó. Sigue siendo el caso incluso hoy. Jamini Roy, como muchos pueden saber por sus libros de texto de ciencias políticas NCERT, como yo. ¿Qué podría ser más un «arte de la gente» que este?
En sus colores, vemos el alma de Bengala. En sus formas, nos vemos a nosotros mismos.
